Musique classique

Musique classiqueContenuetTimeline [ modifier ]
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Quatuor à cordes se produisant pour l' année Mozart 2006 à Vienne

La musique classique est une musique d'art produite ou enracinée dans les traditions de la culture occidentale , y compris la musique liturgique ( religieuse ) et profane . Historiquement, le terme «musique classique» se réfère spécifiquement à la période musicale de 1750 à 1820 ( période classique ). Dans un sens plus général, la musique classique fait référence aux traditions musicales occidentales considérées comme distinctes ou comme un raffinement des traditions de la musique folklorique occidentale et englobe la vaste période allant d'avant le 6ème siècle après JC à nos jours, qui comprend la période classique et divers d'autres périodes. [1]Les normes centrales de cette tradition ont été codifiées entre 1650 et 1900, ce qui est connu comme la période de la pratique courante .

Le terme «musique classique» n'est apparu qu'au début du 19e siècle, dans une tentative de canoniser distinctement la période de Johann Sebastian Bach à Ludwig van Beethoven comme un âge d'or. [2] La première référence à la "musique classique" enregistrée par l' Oxford English Dictionary date d'environ 1829. [1] [3]

La musique d'art européenne se distingue largement de nombreuses autres formes musicales classiques non européennes et de certaines formes musicales populaires par son système de notation de portée , en usage depuis environ le 11ème siècle. [4] [5] Les moines catholiques ont développé les premières formes de notation musicale européenne moderne afin d'uniformiser la liturgie dans toute l'Église mondiale. La notation de portée occidentale est utilisée par les compositeurs pour indiquer à l'interprète les hauteurs et les durées d'un morceau de musique. [4] Contrairement aux styles les plus populaires qui ont adopté la chanson ( strophique) ou une dérivation de cette forme, la musique classique a été connue pour son développement de formes très sophistiquées de musique instrumentale telles que la symphonie , le concerto , la fugue , la sonate et les styles vocaux et instrumentaux mixtes tels que l' opéra , la cantate et la messe . [6]

Timeline [ modifier ]

Les principales divisions temporelles de la musique d'art occidentale sont les suivantes:

  • Période de la musique ancienne , avant 500 après JC [7]
  • Période de musique ancienne, qui comprend
    • Époque médiévale (500–1420), y compris
      • Ars antiqua (1170–1310)
      • Ars nova (1310–1377)
      • Ars subtilior (1360–1420)
    • Époque de la Renaissance (1400–1600)
  • Période de pratique courante, qui comprend
    • Époque baroque (1600–1750)
    • Ère de la musique galante (1720 à 1770)
    • Époque classique (1750–1820)
    • Époque romantique (vers 1800-1910)
  • De la fin du XIXe siècle aux XXe et XXIe siècles (de 1890 à aujourd'hui), qui comprend:
    • Époque moderniste (1890-1975) qui chevauche la fin du XIXe siècle
      • Impressionnisme (1890–1925) qui chevauche également la fin du XIXe siècle
      • Expressionnisme (1900-1930)
      • Néoclassicisme (1920-1950), principalement dans l'entre-deux-guerres
    • Époque postmoderne / contemporain (1950-présent)
      • Expérimental (de 1950 à aujourd'hui)
      • Minimalisme (début des années 1960 à 1990)
      • Postminimalisme (début des années 1980 à aujourd'hui)

Caractéristiques [ modifier ]

Compte tenu du large éventail de styles de la musique classique européenne, du plain-chant médiéval chanté par des moines aux symphonies classiques et romantiques pour orchestre des années 1700 et 1800 aux compositions atonales d' avant-garde des années 1900, il est difficile d'énumérer les caractéristiques qui peuvent être attribuées à toutes les œuvres de ce type. Néanmoins, une caractéristique universelle de la musique classique écrite depuis la fin du XIIIe siècle est [8] l'appareil invariable d'un système normalisé de notation mensurale précise (qui a évolué vers la notation de mesure moderne après 1600) pour toutes les compositions et leur exécution précise. [9]Un autre est la création et le développement de pièces complexes d'œuvres instrumentales solos (par exemple, la fugue ). Les premières symphonies ont été produites pendant la période classique ; à partir du milieu du XVIIIe siècle, l' ensemble symphonique et les compositions sont devenus des éléments importants de la musique de la période classique. [dix]

Complexité [ modifier ]

Les œuvres du répertoire classique présentent souvent une complexité dans leur utilisation de l' orchestration , du contrepoint , de l' harmonie , du développement musical , du rythme , du phrasé , de la texture et de la forme . Alors que les styles les plus populaires sont généralement écrits sous forme de chanson , la musique classique est connue pour son développement de formes musicales instrumentales très sophistiquées, [6] comme le concerto , la symphonie et la sonate . La musique classique est également connue pour son utilisation de formes vocales / instrumentales sophistiquées, telles que l' opéra . [la citation nécessaire ]Dans l'opéra, les solistes vocaux et les chœurs exécutent des œuvres dramatiques mises en scène avec un orchestre fournissant un accompagnement.

Les œuvres instrumentales plus longues sont souvent divisées en pièces autonomes, appelées mouvements , souvent avec des personnages ou des humeurs contrastés. Par exemple, les symphonies écrites pendant la période classique sont généralement divisées en quatre mouvements:

  1. un Allegro d'ouverture sous forme de sonate ,
  2. un mouvement lent,
  3. un menuet ou un scherzo (dans un triple mètre , comme3
    4
    ), et
  4. un dernier Allegro.

Ces mouvements peuvent ensuite être décomposés en une hiérarchie d'unités plus petites: premières sections , puis périodes , et enfin des phrases .

Performance [ modifier ]

Orchestre de jeunes en performance

Les artistes interprètes ou exécutants qui ont étudié la musique classique de manière approfondie sont réputés avoir une «formation classique». Cette formation peut provenir de cours particuliers dispensés par des professeurs d'instruments ou de chant ou de l'achèvement d'un programme formel offert par un conservatoire, un collège ou une université, comme un baccalauréat en musique ou une maîtrise en musique (qui comprend des leçons individuelles de professeurs). En musique classique, "... une éducation et une formation musicales formelles approfondies, souvent au niveau postuniversitaire [maîtrise]" est nécessaire. [11]

L'interprétation du répertoire de musique classique nécessite une maîtrise de la lecture à vue et du jeu d' ensemble , des principes harmoniques , une solide formation auditive (pour corriger et ajuster les hauteurs à l'oreille), une connaissance de la pratique d'interprétation (par exemple, l'ornementation baroque) et une familiarité avec le style / idiome musical attendu pour un compositeur ou une œuvre musicale donnée (par exemple, une symphonie de Brahms ou un concerto de Mozart). [ citation nécessaire ]

La principale caractéristique de la musique classique européenne qui la distingue de la musique populaire , de la musique folklorique et d'autres traditions de musique classique telles que la musique classique indienne , est que le répertoire a tendance à être écrit en notation musicale , créant une partie ou une partition musicale . [12] Cette partition détermine généralement les détails du rythme, de la hauteur et, lorsque deux musiciens ou plus (que ce soit des chanteurs ou des instrumentistes) sont impliqués, comment les différentes parties sont coordonnées. La qualité écrite de la musique a permis un haut niveau de complexité en leur sein: les fugues , par exemple, réalisent un mariage remarquable de lignes mélodiques audacieusement distinctives tissées danscontrepoint tout en créant une logique harmonique cohérente . [13] L'utilisation de la notation écrite préserve également un enregistrement des travaux et permet aux musiciens classiques d'exécuter la musique d'il y a plusieurs siècles.

Bien que la musique classique des années 2000 ait perdu l'essentiel de sa tradition d' improvisation musicale , de l'ère baroque à l'ère romantique, il existe des exemples d'interprètes capables d'improviser dans le style de leur époque. À l'époque baroque, les orgues improvisaient des préludes , les claviéristes jouant du clavecin improvisaient des accords à partir des symboles de basse figurés sous les notes de basse de la partie basse continue et les interprètes vocaux et instrumentaux improvisaient des ornements musicaux . [14] Johann Sebastian Bach a été particulièrement noté pour ses improvisations complexes. [15]À l'époque classique, le compositeur-interprète Wolfgang Amadeus Mozart était connu pour sa capacité à improviser des mélodies dans différents styles. [16] Pendant l'ère classique, certains solistes virtuoses improviseraient les sections de cadence d'un concerto. À l'époque romantique, Ludwig van Beethoven improvisait au piano. [17]

Instrumentation et pratiques vocales [ modifier ]

Les instruments actuellement utilisés dans la plupart des musiques classiques ont été largement inventés avant le milieu du XIXe siècle (souvent beaucoup plus tôt) et systématisés aux XVIIIe et XIXe siècles. Ils se composent des instruments trouvés dans un orchestre ou dans une fanfare , ainsi que plusieurs autres instruments solistes (tels que le piano , le clavecin et l' orgue ). L'orchestre symphonique comprend des membres de la corde , des bois , des cuivres et des percussionsfamilles d'instruments. L'harmonie se compose de membres des familles des bois, cuivres et percussions. Il a généralement une plus grande variété et un plus grand nombre d'instruments à vent et de cuivres que l'orchestre mais n'a pas de section de cordes. Cependant, de nombreux groupes de concert utilisent une contrebasse . Les pratiques vocales ont changé au cours de la période classique, du chant grégorien monophonique à une seule ligne exécuté par des moines à l'époque médiévale aux œuvres chorales complexes et polyphoniques de la Renaissance et des périodes ultérieures, qui utilisaient plusieurs mélodies vocales indépendantes en même temps.

Histoire [ modifier ]

Notation musicale d'un missel anglais du début du XIVe siècle , représentant la tête du Christ. Les moines catholiques ont développé les premières formes de notation musicale européenne moderne afin de standardiser la liturgie dans toute l'Église mondiale. [18]

Les principales divisions temporelles de la musique classique jusqu'en 1900 sont la période de la musique ancienne, qui comprend les époques médiévale (500–1400) et de la Renaissance (1400–1600), et la période de pratique commune , qui comprend le baroque (1600–1750), le classique (1750–1820) et romantique (1810–1910). La période actuelle englobe le 20e siècle et le 21e siècle à ce jour et comprend l' ère musicale moderniste et l'ère musicale contemporaine ou postmoderne , dont les dates sont souvent contestées.

Les dates sont des généralisations , car les périodes et les époques se chevauchent et les catégories sont quelque peu arbitraires, au point que certaines autorités inversent les terminologies et se réfèrent à une «ère» de pratique courante comprenant des «périodes» baroques, classiques et romantiques. [19] Par exemple, l'utilisation du contrepoint et de la fugue , qui est considérée comme caractéristique de l'ère (ou période) baroque, a été poursuivie par Haydn , qui est classé comme typique de l'ère classique. Beethoven , souvent décrit comme l'un des fondateurs de l'époque romantique, et Brahms, qui est classé comme romantique, a également utilisé le contrepoint et la fugue, mais les qualités romantiques et parfois aspirantes de leur musique définissent leur époque.

Le préfixe néo est utilisé pour décrire une composition du XIXe, XXe ou XXIe siècle écrite dans le style d'une époque antérieure, comme Classique ou Romantique. La Pulcinella de Stravinsky , par exemple, est une composition néoclassique parce qu'elle est stylistiquement similaire aux œuvres de l'époque baroque. [ clarification nécessaire ]

Roots [ modifier ]

Burgh (2006), suggère que les racines de la musique classique occidentale résident en fin de compte dans la musique d'art égyptienne ancienne via la cheironomie et l'orchestre égyptien antique, qui date de 2695 av. [20] Le développement des tons et des échelles individuels a été fait par les anciens Grecs tels qu'Aristoxenus et Pythagore . [21] Pythagore a créé un système d' accord et a aidé à codifier la notation musicale . Instruments grecs anciens tels que l' aulos (un instrument à anche ) et la lyre (un instrument à cordes semblable à une petite harpe) a finalement conduit à plusieurs instruments modernes d'un orchestre classique. [22] L'antécédent de la première période était l'ère de la musique ancienne avant la chute de l' Empire romain (476 AD).

Première période [ modifier ]

Medieval [ modifier ]

Musicien jouant de la vielle ( manuscrit médiéval du XIVe siècle )

L'ère médiévale comprend la musique depuis la chute de Rome jusqu'à environ 1400. Le chant monophonique , également appelé chant de plainsong ou chant grégorien , était la forme dominante jusqu'à environ 1100. [23] Les moines catholiques ont développé les premières formes de notation musicale européenne moderne afin de normaliser la liturgie dans toute l'Église mondiale. [18] [24] [25] La musique polyphonique (multi-voix) s'est développée à partir du chant monophonique tout au long du Moyen Âge tardif et dans la Renaissance , y compris les voicings plus complexes des motets .

Johannes Ockeghem , extrait de Kyrie "Au travail suis"

Un certain nombre d' instruments de musique classiques européens ont des racines dans des instruments orientaux qui ont été adoptés dans le monde islamique médiéval . [26] Par exemple, le rebab arabe est l'ancêtre de tous les instruments à cordes cintrés européens , y compris la lire , le rebec et le violon . [27] [28]

De nombreux instruments utilisés pour interpréter la musique médiévale existent toujours, mais sous des formes différentes. Les instruments médiévaux comprenaient la flûte , la flûte à bec et des instruments à cordes pincées comme le luth . De plus, les premières versions de l' orgue et du violon (ou vielle ) existaient. Les instruments médiévaux en Europe avaient le plus souvent été utilisés seuls, souvent accompagnés d'une note de bourdon , ou occasionnellement par parties. Du moins aussi tôt que le 13e siècle au 15e siècle, il y avait une division des instruments en haut (fort, strident, instruments de plein air) et bas(instruments plus silencieux et plus intimes). [29] Pendant la période médiévale antérieure , la musique vocale du genre liturgique , chant principalement grégorien , était monophonique , utilisant une seule ligne de mélodie vocale non accompagnée. [30] Les genres vocaux polyphoniques , qui utilisaient de multiples mélodies vocales indépendantes, ont commencé à se développer pendant la haute ère médiévale , devenant répandus par la fin du 13ème et le début du 14ème siècle.

Parmi les compositeurs médiévaux notables figurent Hildegard of Bingen , Guillaume de Machaut , Léonin , Pérotin , Philippe de Vitry , Francesco Landini et Johannes Ciconia .

Renaissance [ modifier ]

L'ère de la Renaissance allait de 1400 à 1600. Elle se caractérisait par une plus grande utilisation de l' instrumentation , de multiples lignes mélodiques entrelacées et l'utilisation des premiers instruments de basse . La danse sociale est devenue plus répandue, si bien que les formes musicales appropriées pour accompagner la danse ont commencé à se standardiser. C'est à cette époque que la notation de la musique sur une portée et d'autres éléments de notation musicale ont commencé à prendre forme. [31] Cette invention a rendu possible la séparation de la composition d'un morceau de musique de sa transmission ; sans musique écrite, la transmission était orale et sujette à changement à chaque fois qu'elle était transmise. Avec une partition musicale, une œuvre musicale pouvait être exécutée sans la présence du compositeur. [23] L'invention de l' imprimerie à caractères mobiles au 15ème siècle a eu des conséquences de grande portée sur la préservation et la transmission de la musique. [32]

Une ouverture illuminée du codex Chigi mettant en vedette le Kyrie of Ockeghem 's Missa Ecce ancilla Domini

De nombreux instruments sont nés à la Renaissance; d'autres étaient des variantes ou des améliorations d'instruments qui existaient auparavant. Certains ont survécu jusqu'à nos jours; d'autres ont disparu, pour être recréés pour jouer de la musique sur des instruments d'époque. Comme de nos jours, les instruments peuvent être classés comme cuivres, cordes, percussions et bois. Les cuivres de la Renaissance étaient traditionnellement joués par des professionnels qui étaient membres de guildes et ils comprenaient la trompette à diapositives , le cornet en bois , la trompette sans soupape et le sac . Les instruments à cordes comprenaient la viole , le rebec , la lyre en forme de harpe, la vielle à roue , le luth , la guitare , le cercueil , le bandora et l' orpharion . Les instruments à clavier à cordes comprenaient le clavecin et le clavicorde . Les instruments à percussion comprennent le triangle , la harpe juive , le tambourin , les cloches, le grondeur et divers types de tambours. Les instruments à vent comprenaient le châle à anche double (un des premiers membres de la famille des hautbois ), la pipe à anche , la cornemuse , leflûte traversière , la flûte à bec , le dulcien et le crumhorn . Les orgues à tuyaux simples existaient, mais étaient en grande partie confinés aux églises, bien qu'il y en ait eu des variétés portables. [33] L' impression a permis la normalisation des descriptions et des spécifications des instruments, ainsi que des instructions sur leur utilisation. [34]

La musique vocale de la Renaissance est connue pour l'épanouissement d'un style polyphonique de plus en plus élaboré . Les principales formes liturgiques qui ont duré tout au long de la période de la Renaissance étaient les messes et les motets, avec quelques autres développements vers la fin, d'autant plus que les compositeurs de musique sacrée ont commencé à adopter des formes laïques (comme le madrigal ) pour leurs propres desseins. Vers la fin de la période, les premiers précurseurs dramatiques de l'opéra tels que la monodie, la comédie madrigale et l' intermédio sont vus. Vers 1597, le compositeur italien Jacopo Peri a écrit Dafne , la première œuvre à être appelée aujourd'hui un opéra . Il a également composé Euridice, le premier opéra à avoir survécu jusqu'à nos jours.

Les compositeurs notables de la Renaissance incluent Josquin des Prez , Giovanni Pierluigi da Palestrina , John Dunstaple , Johannes Ockeghem , Orlande de Lassus , Guillaume Du Fay , Gilles Binchois , Thomas Tallis , William Byrd , Giovanni Gabrieli , Carlo Gesualdo , John Dowland , Jacob Obrecht , Adrian Willaert , Jacques Arcadelt et Cipriano de Rore .

Période commune pratiques [ modifier ]

La période de pratique courante est généralement définie comme l'ère entre la formation et la dissolution de la tonalité de pratique courante . Le terme couvre généralement environ deux siècles et demi, englobant les périodes baroque, classique et romantique.

Baroque [ modifier ]

Instruments baroques, y compris vielle à roue , clavecin , violette basse , luth , violon et guitare baroque

La musique baroque se caractérise par l'utilisation d'un contrepoint tonal complexe et l'utilisation d'une basse continue , une ligne de basse continue. La musique est devenue plus complexe par rapport aux chansons simples de toutes les périodes précédentes. [35] Les débuts de la forme sonate ont pris forme dans le canzona , tout comme une notion plus formalisée de thème et de variations . Les tonalités du majeur et du mineur en tant que moyens de gérer la dissonance et le chromaticisme de la musique ont pris toute leur forme. [36]

À l'époque baroque, la musique pour clavier jouée au clavecin et à l'orgue à tuyaux est devenue de plus en plus populaire, et la famille des violons d'instruments à cordes a pris la forme généralement vue aujourd'hui. L'opéra en tant que drame musical mis en scène a commencé à se différencier des formes musicales et dramatiques antérieures, et les formes vocales comme la cantate et l' oratorio sont devenues plus courantes. [37] Les chanteurs pour la première fois ont commencé à ajouter des notes supplémentaires à la musique. [35]

Les théories entourant l' égalité de tempérament ont commencé à être mises en pratique plus largement, d'autant plus qu'elles permettaient une plus large gamme de possibilités chromatiques dans les instruments à clavier difficiles à régler. Bien que JS Bach n'ait pas utilisé le tempérament égal, comme un piano moderne est généralement accordé, les changements dans les tempéraments du système de tonalité moyenne , commun à l'époque, à divers tempéraments qui rendaient la modulation entre toutes les touches musicalement acceptable, ont rendu possible son Clavier bien tempéré. . [38]

Les instruments baroques comprenaient certains instruments des périodes antérieures (par exemple, la vielle à roue et la flûte à bec) et un certain nombre de nouveaux instruments (par exemple, le hautbois, le basson, le violoncelle, la contrebasse et le pianoforte). Certains instruments d'époques antérieures sont tombées en désuétude, comme le shawm, cistre , cervelas et clairons en bois. Les principaux instruments baroques pour cordes comprenaient le violon , la viole , l' alto , la viole d'amour , le violoncelle , la contrebasse , le luth , le théorbe (qui jouait souvent les parties de basse continue ), la mandoline , la guitare baroque., harpe et vielle à roue. Les bois comprenaient la flûte baroque , le hautbois baroque , la flûte à bec et le basson . Les cuivres comprenaient la cornette , le cor naturel , la trompette naturelle , le serpent et le trombone . Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde , le piano tangent , le clavecin , l' orgue à tuyaux et, plus tard dans la période, le piano - forte (une première version du piano). Les instruments de percussion comprenaient les timbales ,caisse claire , tambourin et castagnettes .

Une différence majeure entre la musique baroque et l'ère classique qui l'a suivie est que les types d'instruments utilisés dans les ensembles baroques étaient beaucoup moins standardisés. Un ensemble baroque peut comprendre l'un des différents types d'instruments à clavier (par exemple, orgue à tuyaux ou clavecin), [39] instruments à cordes supplémentaires (par exemple, un luth), cordes frottées, bois et cuivres, et un nombre indéterminé de instruments de basse exécutant la basse continue (par exemple, un violoncelle, une contrebasse, un alto, un basson, un serpent, etc.).

Les développements vocaux à l'époque baroque comprenaient le développement de types d' opéra tels que l' opéra seria et l' opéra comique , et des formes connexes telles que les oratorios et les cantates . [40] [41]

Les compositeurs importants de cette époque incluent Johann Sebastian Bach , Antonio Vivaldi , George Frideric Handel , Henry Purcell , Claudio Monteverdi , Barbara Strozzi , Domenico Scarlatti , Georg Philipp Telemann , Arcangelo Corelli , Alessandro Scarlatti , Jean-Philippe Rameau , Jean-Baptiste Lully et Heinrich Schütz .

Classique [ modifier ]

Joseph Haydn (1732-1809) interprété par Thomas Hardy (1791)

Bien que le terme «musique classique» englobe toute la musique d'art occidentale de l'époque médiévale aux années 2000, l'ère classique était la période de la musique d'art occidentale des années 1750 au début des années 1820 - l'ère de Wolfgang Amadeus Mozart , Joseph Haydn et Ludwig van Beethoven .

L'ère classique a établi de nombreuses normes de composition, de présentation et de style, et c'est aussi lorsque le piano est devenu l'instrument à clavier prédominant. Les forces de base requises pour un orchestre sont devenues quelque peu standardisées (bien qu'elles se développent à mesure que le potentiel d'un plus large éventail d'instruments se développe au cours des siècles suivants). La musique de chambre s'est développée pour inclure des ensembles avec jusqu'à 8 à 10 interprètes pour les sérénades . L'opéra a continué à se développer, avec des styles régionaux en Italie, en France et dans les pays germanophones. L' opéra buffa , une forme d'opéra comique, a gagné en popularité. La symphonieest devenu une forme musicale et le concerto a été développé comme un véhicule pour des démonstrations d'habileté de jeu virtuose. Les orchestres n'avaient plus besoin d'un clavecin (qui faisait partie du continuo traditionnel dans le style baroque) et étaient souvent dirigés par le violoniste principal (maintenant appelé violon solo ). [42]

Les musiciens de l'ère classique ont continué à utiliser de nombreux instruments de l'ère baroque, tels que le violoncelle, la contrebasse, la flûte à bec, le trombone, les timbales, le pianoforte (le précurseur du piano moderne ) et l'orgue. Alors que certains instruments baroques sont tombés en désuétude (par exemple, le théorbe et le rackett), de nombreux instruments baroques ont été modifiés dans les versions qui sont encore en usage aujourd'hui, comme le violon baroque (qui est devenu le violon ), le hautbois baroque (qui est devenu le hautbois ) et la trompette baroque, qui est passée à la trompette à soupapes régulière. Au cours de l'ère classique, les instruments à cordes utilisés dans l'orchestre et la musique de chambre tels que les quatuors à cordes ont été standardisés comme les quatre instruments qui forment lesection cordes de l' orchestre : violon, alto, violoncelle et contrebasse. Les instruments à cordes de l'époque baroque, tels que les violes frettées et frettées, ont été progressivement supprimés. Inclus la woodwinds clarinette de basset , Cor de basset , clarinette d'amour , la classique clarinette , la Chalumeau , la flûte, le hautbois et le basson. Les instruments à clavier comprenaient le clavicorde et le pianoforte . Alors que le clavecin était encore utilisé dans l'accompagnement de basse continue dans les années 1750 et 1760, il est tombé hors d'usage à la fin du siècle. Les cuivres comprenaient le buccin , leophicléide (un remplacement du serpent de basse , qui était le précurseur du tuba ) et de la corne naturelle .

Les instruments à vent sont devenus plus raffinés à l'époque classique. Alors que les instruments à anche double comme le hautbois et le basson se sont quelque peu normalisés dans le baroque, la famille des clarinettes à anches simples n'a pas été largement utilisée jusqu'à ce que Mozart élargisse son rôle dans les arrangements d'orchestre, de chambre et de concerto. [43]

Les principaux compositeurs de cette période sont Wolfgang Amadeus Mozart , Ludwig van Beethoven , Joseph Haydn , Christoph Willibald Gluck , Johann Christian Bach , Luigi Boccherini , Carl Philipp Emanuel Bach , Muzio Clementi , Antonio Salieri et Johann Nepomuk Hummel .

Romantique [ modifier ]

La musique de l'ère romantique, de la première décennie du XIXe siècle au début du XXe siècle, se caractérisait par une attention accrue portée à une ligne mélodique étendue, ainsi qu'à des éléments expressifs et émotionnels, parallèlement au romantisme dans d'autres formes d'art. Les formes musicales ont commencé à rompre avec les formes de l'ère classique (alors même que celles-ci étaient codifiées), avec des pièces de forme libre comme les nocturnes , les fantasies et les préludes écrites où les idées acceptées sur l'exposition et le développement des thèmes étaient ignorées ou minimisées. [44] La musique est devenue plus chromatique, dissonante et tonale colorée, avec des tensions (en ce qui concerne les normes acceptées des formes plus anciennes) au sujet des signatures clés augmentant.[45] La chanson d'art (ou Lied )venu à maturité à cette époque,comme les échelles épiques de grand opéra , finalement transcendé par Richard Wagner de Tétralogie . [46]

Au XIXe siècle, les institutions musicales ont émergé du contrôle de riches mécènes, car les compositeurs et les musiciens pouvaient construire des vies indépendantes de la noblesse. L'intérêt croissant pour la musique de la part des classes moyennes grandissantes dans toute l'Europe occidentale a stimulé la création d'organisations pour l'enseignement, l'interprétation et la préservation de la musique. Le piano, qui a atteint sa construction moderne à cette époque (en partie grâce aux progrès industriels de la métallurgie ) est devenu très populaire auprès de la classe moyenne, dont les demandes pour l'instrument ont incité de nombreux constructeurs de pianos. De nombreux orchestres symphoniques datent de cette époque. [45] Certains musiciens et compositeurs étaient les stars du jour; certains, comme Franz Liszt et Niccolò Paganini, a rempli les deux rôles. [47]

Les idées et institutions culturelles européennes ont commencé à suivre l'expansion coloniale dans d'autres parties du monde. Il y avait aussi une montée, surtout vers la fin de l'époque, du nationalisme dans la musique (faisant écho, dans certains cas, aux sentiments politiques de l'époque), des compositeurs tels qu'Edvard Grieg , Nikolai Rimsky-Korsakov et Antonín Dvořák faisant écho à la musique traditionnelle. de leurs patries dans leurs compositions. [48]

Orchestre philharmonique de Dublin

À l'époque romantique, le piano moderne , avec une sonorité plus puissante et soutenue et une gamme plus large, a pris le relais du piano-forte au son plus délicat. Dans l'orchestre, les instruments et sections classiques existants ont été conservés ( section à cordes , bois, cuivres et percussions), mais ces sections ont généralement été élargies pour produire un son plus riche et plus large. Par exemple, alors qu'un orchestre baroque peut avoir eu deux contrebassistes, un orchestre romantique peut en avoir jusqu'à dix. "Alors que la musique devenait plus expressive, la palette orchestrale standard n'était tout simplement pas assez riche pour de nombreux compositeurs romantiques." [49]

Les familles d'instruments utilisés, en particulier dans les orchestres, s'agrandissent; un processus qui a culminé au début du 20e siècle avec de très grands orchestres utilisés par les compositeurs romantiques et modernistes tardifs. Un plus large éventail d'instruments à percussion a commencé à apparaître. Les cuivres ont assumé des rôles plus importants, car l'introduction de vannes rotatives leur a permis de jouer un plus large éventail de notes. La taille de l'orchestre (généralement autour de 40 à l'ère classique) est passée à plus de 100. [45] La Symphonie n ° 8 de 1906 de Gustav Mahler , par exemple, a été jouée avec plus de 150 instrumentistes et chœurs de plus de 400. [ 50] De nouveaux instruments à vent ont été ajoutés, tels que le contrebasson , la clarinette basseet le piccolo et de nouveaux instruments de percussion ont été ajoutés, y compris des xylophones , des caisses claires , des célestas (un instrument à clavier en forme de cloche), des cloches et des triangles , [49] de grandes harpes orchestrales et même des machines à vent pour les effets sonores . Les saxophones apparaissent dans certaines partitions à partir de la fin du 19e siècle, généralement présentés comme un instrument solo plutôt que comme faisant partie intégrante de l'orchestre.

Le tuba de Wagner , un membre modifié de la famille des cornes, apparaît dans le cycle Der Ring des Nibelungen de Richard Wagner . Il a également un rôle de premier plan dans la Symphonie n ° 7 en mi majeur d' Anton Bruckner et est également utilisé dans plusieurs œuvres romantiques et modernistes tardives de Richard Strauss, Béla Bartók et autres [51] Les cornets apparaissent régulièrement dans les partitions du 19e siècle, aux côtés de des trompettes considérées comme moins agiles, du moins jusqu'à la fin du siècle.

Les principaux compositeurs de cette époque sont Piotr Ilitch Tchaïkovski , Frédéric Chopin , Hector Berlioz , Franz Schubert , Robert Schumann , Felix Mendelssohn , Franz Liszt , Giuseppe Verdi , Richard Wagner , Johannes Brahms , Edvard Grieg et Johann Strauss II . Gustav Mahler et Richard Strauss sont généralement considérés comme des compositeurs de transition dont la musique combine à la fois des éléments du romantisme tardif et des premiers modernistes.

20e et 21e siècles [ modifier le wikicode ]

Moderniste [ modifier ]

Igor Stravinsky , de Pablo Picasso , collaborateurs sur Pulcinella (1920)

Couvrant une grande variété de styles post-romantiques , la musique classique moderniste comprend des styles de composition romantiques tardifs, impressionnistes, expressionnistes et néoclassiques. Le modernisme a marqué une époque où de nombreux compositeurs ont rejeté certaines valeurs de la période de pratique courante, telles que la tonalité, la mélodie, l'instrumentation et la structure traditionnelles. Certains historiens de la musique considèrent le modernisme musical comme une ère s'étendant d'environ 1890 à 1930. [52] D'autres considèrent que le modernisme s'est terminé avec l'une ou l'autre des deux guerres mondiales. [53] [ citation courte incomplète ] Encore d'autres autorités affirment que le modernisme n'est associé à aucune époque historique, mais est plutôt "une attitudedu compositeur; une construction vivante qui peut évoluer avec le temps ". [54] [ citation courte incomplète ] Malgré son déclin dans le dernier tiers du 20e siècle, il restait à la fin du siècle un noyau actif de compositeurs qui continuaient à faire avancer les idées et des formes de modernisme, telles que Pierre Boulez , Pauline Oliveros , Toru Takemitsu , George Benjamin , Jacob Druckman , Brian Ferneyhough , George Perle , Wolfgang Rihm , Richard Wernick , Richard Wilson et Ralph Shapey . [55]

Deux mouvements musicaux dominants à cette époque étaient l' impressionniste débutant vers 1890 et l' expressionniste qui débuta vers 1908. Ce fut une période de réactions diverses pour remettre en question et réinterpréter les anciennes catégories de musique, des innovations qui mènent à de nouvelles façons d'organiser et d'approcher l'harmonique. , les aspects mélodiques, sonores et rythmiques de la musique, et les changements dans les visions esthétiques du monde en étroite relation avec la période plus large identifiable du modernisme dans les arts de l'époque. Le mot clé qui lui est le plus associé est «innovation». [56] Sa caractéristique principale est une "pluralité linguistique", c'est-à-dire qu'aucun genre musical n'a jamais assumé une position dominante. [57]

L'orchestre a continué de croître en taille au cours des premières années de l'ère moderniste, atteignant un sommet dans les deux premières décennies du 20e siècle. Les saxophones qui ne sont apparus que rarement au XIXe siècle sont devenus plus couramment utilisés comme instruments supplémentaires, mais ne sont jamais devenus des membres principaux de l'orchestre. Tout en apparaissant seulement comme instruments solo en vedette dans certaines œuvres, par exemple Maurice Ravel l 'orchestration de Modeste Moussorgski de Tableaux d'une exposition et Sergei Rachmaninov de s Danses symphoniques , le saxophone est inclus dans d' autres travaux tels que Sergei Prokofiev est Romeo et Juliet Suites 1 et 2et de nombreuses autres œuvres en tant que membre de l'ensemble orchestral. Dans certaines compositions comme le Boléro de Ravel , deux saxophones ou plus de tailles différentes sont utilisés pour créer une section entière comme les autres sections de l'orchestre. Le euphonium est présenté dans quelques fin romantiques et 20e siècle des œuvres, jouant habituellement des pièces portant la mention « teneur tubas », dont Gustav Holst est Planètes et Richard Strauss 's Ein Heldenleben .

Les compositeurs éminents du début du XXe siècle incluent Igor Stravinsky , Claude Debussy , Sergei Rachmaninov , Sergei Prokofiev , Arnold Schoenberg , Heitor Villa-Lobos , Anton Webern , Alban Berg , Cécile Chaminade , Paul Hindemith , Aram Khachaturian , George Gershwin , Amy Beach , Béla Bartók et Dmitri Chostakovitch , ainsi que Mahler et Strauss susmentionnés en tant que figures de transition qui ont repris du XIXe siècle.

Post-moderne / contemporain [ modifier ]

La musique postmoderne est une période de musique qui a commencé dès 1930 selon certaines autorités. [58] [59] Il partage des caractéristiques avec l'art postmoderniste - c'est-à-dire l'art qui vient après et réagit contre le modernisme .

Certaines autres autorités ont plus ou moins assimilé la musique postmoderne à la «musique contemporaine» composée bien après 1930, de la fin du 20e siècle au début du 21e siècle. [60] [61] Certains des mouvements divers de l'ère postmoderne / contemporaine incluent le néoromantique, le néomédiéval, le minimaliste et le post minimaliste.

La musique classique contemporaine du début du 21e siècle était souvent considérée comme englobant toutes les formes musicales postérieures à 1945. [62] Une génération plus tard, ce terme se réfère maintenant correctement à la musique d'aujourd'hui écrite par des compositeurs encore vivants; musique qui a pris de l'importance au milieu des années 1970. Il comprend différentes variations de musique moderniste , postmoderne , néoromantique et pluraliste . [63]

Chronologie des compositeurs [ modifier ]

Alonso LoboGiovanni GabrieliTomás Luis de VictoriaWilliam ByrdOrlande de LassusFrancisco GuerreroGiovanni Pierluigi da PalestrinaCipriano de RoreThomas TallisCristóbal de MoralesNicolas GombertAdrian WillaertPierre de la RueJosquin Des PrezJohannes OckeghemGuillaume Du FayJohn DunstapleFrancesco LandiniGuillaume de MachautPhilippe de VitryAdam de la HalleWalther von der VogelweidePérotinLéoninBernart de VentadornHildegard of Bingen
Esa-Pekka SalonenLudovico EinaudiKaija SaariahoJohn Adams (composer)Philip GlassSteve ReichArvo PärtKrzysztof PendereckiToru TakemitsuKarlheinz StockhausenEinojuhani RautavaaraPierre BoulezLuigi NonoGyörgy LigetiIannis XenakisMilton BabbittWitold LutosławskiBenjamin BrittenJohn CageSamuel BarberOlivier MessiaenElliott CarterDmitri ShostakovichAaron CoplandFrancis PoulencPaul HindemithSergei ProkofievAlban BergAnton WebernEdgard VarèsePercy GraingerIgor StravinskyBéla BartókMaurice RavelCharles IvesGustav HolstArnold SchoenbergSergei RachmaninoffRalph Vaughan WilliamsAlexander ScriabinJean SibeliusRichard StraussClaude DebussyFrederick DeliusCarl NielsenGustav MahlerGiacomo PucciniEdward ElgarLeoš JanáčekGabriel FauréNikolai Rimsky-KorsakovEdvard GriegAntonin DvorakPyotr Ilyich TchaikovskyModest MussorgskyGeorges BizetCamille Saint-SaënsJohannes BrahmsAnton BrucknerGiuseppe VerdiRichard WagnerFranz LisztRobert SchumannFrederic ChopinFelix MendelssohnHector BerliozGaetano DonizettiFranz SchubertGioacchino RossiniCarl Maria von WeberNiccolo PaganiniLudwig van BeethovenWolfgang Amadeus MozartAntonio SalieriJoseph HaydnJohann StamitzChristoph Willibald GluckCarl Philipp Emanuel BachGiovanni Battista PergolesiDomenico ScarlattiJohann Sebastian BachGeorge Frideric HandelJean-Philippe RameauGeorg Philipp TelemannAntonio VivaldiFrançois CouperinAlessandro ScarlattiHenry PurcellArcangelo CorelliJohann PachelbelDieterich BuxtehudeJean-Baptiste LullyGiacomo CarissimiHeinrich SchützGirolamo FrescobaldiClaudio Monteverdi

Les femmes dans la musique classique [ modifier ]

Martha Argerich au Centre culturel Kirchner , Buenos Aires

Presque tous les compositeurs décrits dans les manuels de musique classique et dont les œuvres sont largement interprétées dans le cadre du répertoire de concert standard sont des compositeurs masculins, même s'il y a eu un grand nombre de compositrices tout au long de la période de la musique classique. La musicologue Marcia Citron a demandé "[p] u quelle musique composée par des femmes est-elle si marginale par rapport au répertoire« classique »standard?" [64] Citron "examine les pratiques et les attitudes qui ont conduit à l'exclusion des femmes compositeurs du" canon " reçu des œuvres musicales exécutées". Elle soutient que dans les années 1800, les femmes compositeurs écrivaient généralement des chansons d'artpour des représentations en petits récitals plutôt que des symphonies destinées à être interprétées avec un orchestre dans une grande salle, ces dernières œuvres étant considérées comme le genre le plus important pour les compositeurs; comme les femmes compositrices n’écrivaient pas beaucoup de symphonies, elles n’étaient pas considérées comme des compositeurs remarquables. [64] Dans "... l'histoire concise d'Oxford de la musique , Clara S [c] humann est l'une des seules compositrices [ sic ] féminines mentionnées." [65] Abbey Philips déclare que "[d] urant le 20ème siècle, les femmes qui composaient / jouaient ont gagné beaucoup moins d'attention que leurs homologues masculins." [65]

Historiquement, les grands orchestres professionnels ont été majoritairement ou entièrement composés de musiciens qui sont des hommes. Certains des premiers cas d' embauche de femmes dans des orchestres professionnels occupaient le poste de harpiste . L' Orchestre philharmonique de Vienne , par exemple, n'a accepté de femmes comme membre permanent qu'en 1997, bien plus tard que les autres orchestres classés parmi les cinq meilleurs au monde par Gramophone en 2008. [66] Le dernier grand orchestre à nommer une femme à un poste permanent était l' Orchestre philharmonique de Berlin . [67] Aussi tard qu'en février 1996, la flûte principale de l'Orchestre philharmonique de Vienne, Dieter Flury , a ditWestdeutscher Rundfunk qu'accepter les femmes reviendrait à "jouer avec l'unité émotionnelle ( emotionelle Geschlossenheit ) que cet organisme possède actuellement". [68] En avril 1996, l'attaché de presse de l'orchestre a écrit que «compenser les congés prévus» du congé de maternité serait un problème. [69]

En 1997, l'Orchestre philharmonique de Vienne «faisait face à des manifestations lors d'une tournée [aux États-Unis]» de l' Organisation nationale pour les femmes et de l' Alliance internationale pour les femmes en musique . Enfin, «après avoir été tenus au ridicule de plus en plus même dans l'Autriche socialement conservatrice, les membres de l'orchestre se sont réunis [le 28 février 1997] en une réunion extraordinaire à la veille de leur départ et ont accepté d'admettre une femme, Anna Lelkes, comme harpiste. " [70] À partir de 2013, l'orchestre compte six membres féminins; l'un d'entre eux, la violoniste Albena Danailova est devenu l'un des chefs de concert de l'orchestre en 2008, la première femme à occuper ce poste. [71] En 2012, les femmes ne représentaient encore que 6% des membres de l'orchestre. Président VPOClemens Hellsberg a déclaré que le VPO utilise désormais des auditions à l'aveugle entièrement filtrées . [72]

En 2013, un article paru dans Mother Jones déclarait que si «[m] tous les orchestres prestigieux comptent des femmes importantes - les femmes sont plus nombreuses que les hommes dans la section violon de l' Orchestre philharmonique de New York - et plusieurs ensembles renommés, dont le National Symphony Orchestra , le Detroit Symphony , et la Minnesota Symphony, sont dirigées par des femmes violonistes, "les sections de contrebasse , de cuivres et de percussions des grands orchestres" ... sont encore majoritairement masculines ". [73] Un article de la BBC de 2014 a déclaré que "... l'introduction d' auditions" aveugles ", où un instrumentiste potentiel se produit derrière un écran afin que le jury ne puisse exercer aucun préjugé sexiste ou racial, a vu la balance des sexes des orchestres symphoniques traditionnellement dominés par les hommes changer progressivement. " [74]

Relations avec d'autres traditions musicales [ modifier ]

Musique populaire [ modifier ]

La musique classique a souvent incorporé des éléments ou du matériel de la musique populaire de l'époque du compositeur. Les exemples incluent la musique occasionnelle tels que Brahms utilisation des chansons à boire étudiant dans son Academic Festival Overture , genres illustrés par Kurt Weill « s L'Opéra de quat'sous , et l'influence du jazz sur les compositeurs au début et au milieu du 20e siècle , dont Maurice Ravel , illustré par le mouvement intitulé "Blues" dans sa sonate pour violon et piano. [75] Certains compositeurs classiques postmodernes , minimalistes et postminimalistes reconnaissent une dette envers la musique populaire. [76] [ échec de la vérification ]

De nombreux exemples montrent une influence dans la direction opposée, y compris les chansons populaires basées sur la musique classique, l'utilisation du Canon de Pachelbel depuis les années 1970, et le phénomène de croisement musical , où les musiciens classiques ont obtenu du succès dans l'arène de la musique populaire. [77] Dans le métal lourd , un certain nombre de guitaristes principaux (jouant de la guitare électrique ), y compris Ritchie Blackmore et Randy Rhoads , [78] ont modelé leurs styles de jeu sur la musique instrumentale baroque ou classique. [79]

Musique folklorique [ modifier ]

Les compositeurs de musique classique ont souvent fait usage de la musique folklorique (musique créée par des musiciens qui ne sont généralement pas de formation classique, souvent à partir d'une tradition purement orale). Certains compositeurs, comme Dvořák et Smetana , [80] ont utilisé des thèmes folkloriques pour donner une saveur nationaliste à leur travail, tandis que d'autres comme Bartók ont utilisé des thèmes spécifiques tirés de leurs origines de musique folklorique. [81]

Commercialisation [ modifier ]

Certains produits de base de la musique classique sont souvent utilisés à des fins commerciales (que ce soit dans la publicité ou dans les bandes sonores de films). Dans les publicités télévisées, plusieurs passages sont devenus clichée , en particulier l'ouverture de Richard Strauss " Aussi sprach Zarathustra (rendu célèbre dans le film 2001: A Space Odyssey ) et la section d'ouverture " O Fortuna " de Carl Orff est Carmina Burana ; d'autres exemples incluent le « Dies irae » du Requiem de Verdi , « Dans la salle du roi de la montagne » d' Edvard Grieg de Peer Gynt , les premières mesures deBeethoven 's Symphony No. 5 , Wagner "' s Chevauchée des Walkyries " de Die Walküre , Rimsky-Korsakov ' "s Flight of the Bumblebee ", et des extraits de Aaron Copland ' s Rodeo . [la citation nécessaire ] Plusieurs travaux de l' âge d'or de l'animation ont assorti l'action à la musique classique. Des exemples notables sont Walt Disney « s Fantasia , Tom et Jerry « s Souris Johann , et Warner Bros » Lapin de Séville etQu'est-ce que l'opéra, Doc?

De même, les films et la télévision reviennent souvent à des extraits standards, clichés de la musique classique pour transmettre le raffinement ou l' opulence: quelques - unes des pièces les plus souvent entendus dans cette catégorie comprennent Bach de Suite pour violoncelle n ° 1 , Mozart de Eine kleine Nachtmusik , Vivaldi 's Four Seasons , Moussorgsky ' s Night on Bald Mountain (tel qu'orchestré par Rimsky-Korsakov) et " William Tell Overture " de Rossini . Shawn Vancour soutient que la commercialisation de la musique classique au début du 20e siècle peut avoir nui à l' industrie de la musique en raison d' une représentation inadéquate.[82]

Education [ modifier ]

Au cours des années 1990, plusieurs articles de recherche et livres populaires ont écrit sur ce que l'on a appelé «l' effet Mozart »: une légère élévation temporaire des scores observée à certains tests à la suite de l'écoute des œuvres de Mozart. L'approche a été popularisée dans un livre de Don Campbell, et est basée sur une expérience publiée dans Nature suggérant que l'écoute de Mozart augmentait temporairement le QI des étudiants de 8 à 9 points. [83] Cette version popularisée de la théorie a été exprimée succinctement par le chroniqueur de musique du New York Times Alex Ross : "les chercheurs ... ont déterminé qu'écouter Mozart vous rend en fait plus intelligent." [84]Les promoteurs commercialisaient des CD prétendaient induire l'effet. La Floride a adopté une loi obligeant les tout-petits des écoles publiques à écouter de la musique classique tous les jours et, en 1998, le gouverneur de Géorgie a budgété 105 000 dollars par an pour fournir à chaque enfant né en Géorgie une cassette ou un CD de musique classique. L'un des co-auteurs des études originales sur l'effet Mozart a commenté: "Je ne pense pas que cela puisse faire mal. Je suis tout à fait partisan d'exposer les enfants à de merveilleuses expériences culturelles. Mais je pense que l'argent pourrait être mieux dépensé pour l'éducation musicale. programmes." [85]

En 1996-1997, une étude de recherche a été menée sur une population d’étudiants d’âge préscolaire dans le district scolaire de Cherry Creek à Denver, au Colorado, aux États-Unis. L'étude a montré que les étudiants qui écoutent activement de la musique classique avant d'étudier avaient des scores scolaires plus élevés. La recherche a en outre indiqué que les élèves qui écoutaient de la musique avant un examen avaient également des scores de rendement élevés positivement. Les étudiants qui ont écouté de la musique rock-and-roll ou countryavait des scores modérément inférieurs. L'étude a en outre indiqué que les étudiants qui utilisaient la musique classique au cours de leurs études avaient fait un bond important dans leur performance académique; tandis que ceux qui écoutaient d'autres types de musique avaient considérablement abaissé leurs scores académiques. La recherche a été menée dans plusieurs écoles du district scolaire de Cherry Creek et a été menée par l' Université du Colorado . [la citation nécessaire ] Cette étude reflète plusieurs études récentes (c.-à-d. Mike Manthei et Steve N. Kelly de l'Université du Nebraska à Omaha; Donald A. Hodges et Debra S. O'Connell [86] de l' Université de Caroline du Nord à Greensboro ) et autres. [ citation complète nécessaire]

Voir aussi [ modifier ]

  • Liste des traditions de musique classique et d'art
  • Liste de la musique classique dans la littérature

Spécifique à la nation:

  • Musique classique américaine
  • Musique classique andalouse
  • Musique classique australienne
  • Musique classique canadienne
  • Musique carnatique
  • Musique classique française
  • Gagaku
  • Musique classique hindoustani
  • Musique classique indienne
  • Musique classique italienne
  • Musique classique ottomane
  • Musique traditionnelle persane
  • Musique classique russe
  • Musique classique du Royaume-Uni

Références [ modifier ]

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Sources [ modifier ]

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Pour en savoir plus [ modifier ]

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Liens externes [ modifier ]

  • Médias liés à la musique classique sur Wikimedia Commons
  • Citations liées à la musique classique sur Wikiquote
  • Enregistrements classiques historiques de la British Library Sound Archive
  • Liste chronologique des compositeurs classiques enregistrés
  • Grove Music Online - version en ligne du New Grove Dictionary of Music and Musicians .
  • Music World , chronologie, compositeurs, instruments