Pratiques d'enregistrement des Beatles

Pratiques d'enregistrement des BeatlesStudiosetPersonnel

Les pratiques de studio des Beatles ont évolué au cours des années 1960 et, dans certains cas, ont influencé la façon dont la musique populaire était enregistrée. Certains des effets qu'ils ont employés étaient l' échantillonnage , le double suivi artificiel (ADT) et l'utilisation élaborée de machines d' enregistrement multipistes . Ils ont également utilisé des instruments classiques sur leurs enregistrements et des retours de guitare . L'attitude du groupe vis-à-vis du processus d'enregistrement a été résumée par Paul McCartney : "Nous dirions : 'Essayez-le. Essayez-le pour nous. Si ça sonne pourri, d'accord, nous le perdrons. Mais ça pourrait bien sonner.' Nous allions toujours de l'avant : plus fort, plus loin, plus longtemps, plus, différemment." [1]

EMI (route de l'abbaye)

Studio Two, Abbey Road Studios
Abbey Road Studio Deux.

Au début des années 1960, EMI de Abbey Road Studios a été équipé d'EMI fabriqués magnétophones britanniques (BTR) [2] qui ont été développées en 1948, en tant que copies des enregistreurs de guerre allemands. Le BTR était une machine à deux voies, à valve . Lors de l'enregistrement sur la machine à deux pistes, il y avait très peu d'opportunités d'overdub ; l'enregistrement était essentiellement celui d'une performance musicale en direct.

Les deux premiers albums des Beatles, Please Please Me et With The Beatles , ont été enregistrés sur les machines à deux pistes BTR ; [3] avec l'introduction des machines à quatre pistes en 1963 (le premier enregistrement des Beatles à quatre pistes était " I Want to Hold Your Hand " [4] ) il y a eu un changement dans la façon dont les enregistrements ont été faits - les pistes ont pu être construites couche par couche, encourageant l'expérimentation dans le processus d' enregistrement multipiste . [5]

En 1968, les enregistreurs à huit pistes sont devenus disponibles, mais Abbey Road a été un peu lent à adopter la nouvelle technologie et un certain nombre de pistes des Beatles (y compris " Hey Jude ") ont été enregistrées dans d'autres studios à Londres pour avoir accès aux nouveaux enregistreurs à huit pistes. . [6]

Le dernier album des Beatles, Abbey Road , a été le seul à être enregistré à l'aide d'une console de mixage transistorisée , l' EMI TG12345 , plutôt que les précédentes consoles à valve REDD. Let It Be a été enregistré en grande partie dans les studios Apple des Beatles, en utilisant des consoles à valve REDD empruntées à EMI après que le designer Magic Alex (Alex Mardas) n'ait pas réussi à trouver un bureau approprié pour le studio. L'ingénieur Geoff Emerick a déclaré que la console transistorisée a joué un grand rôle dans la formation du son général d' Abbey Road , sans le côté agressif des consoles à lampes. [7]

Les Beatles

Le succès des Beatles signifiait qu'EMI leur donnait carte blanche pour accéder aux studios d'Abbey Road - ils n'étaient pas facturés pour le temps de studio [8] et pouvaient passer aussi longtemps qu'ils le souhaitaient à travailler sur la musique. À partir de 1965 avec les sessions Rubber Soul , les Beatles ont de plus en plus utilisé le studio comme un instrument à part entière, passant de longues heures à expérimenter et à écrire. [5] Les Beatles exigeaient beaucoup du studio ; Lennon aurait voulu savoir pourquoi la basse d'un certain disque de Wilson Pickett dépassait de loin la basse de n'importe quel disque des Beatles. Cela a incité l'ingénieur EMI Geoff Emerick à essayer de nouvelles techniques pour " Paperback Writer ". Il explique que la chanson "était la première fois que le son de la basse était entendu dans toute son excitation ... Pour obtenir le son de la basse forte, Paul a joué une basse différente, une Rickenbacker. Ensuite, nous l'avons renforcé davantage en utilisant un haut - parleur comme microphone . Nous l'avons positionné directement devant le haut-parleur de graves et le diaphragme mobile du deuxième haut-parleur a fait passer le courant électrique." [9]

À cela s'ajoutait le désir conscient d'être différent. McCartney a déclaré: "Chaque fois, nous voulons juste faire quelque chose de différent. Après Please Please Me, nous avons décidé que nous devions faire quelque chose de différent pour la prochaine chanson … Pourquoi devrions-nous jamais vouloir revenir en arrière? Ce serait doux." [10] Le désir de "faire quelque chose de différent" a poussé la technologie d'enregistrement d'EMI en surchargeant la table de mixage dès 1964 dans des morceaux tels que " Eight Days a Week " même à cette date relativement précoce, le morceau commence par un fondu progressif , un dispositif qui avait rarement été utilisé dans la musique rock. [11] Paul McCartney créerait des lignes de basse plus sophistiquées en superposant en contrepoint des pistes des Beatles qui étaient précédemment terminées. [12] Aussi des voix surdoublées ont été utilisées à de nouvelles fins artistiques sur " Julia " avec John Lennon chevauchant la fin d'une phrase vocale avec le début de son prochain. [13] Sur « I Want to Hold Your Hand » (1963), les Beatles ont innové en utilisant des guitares à consonance d'orgue qui ont été obtenues par une compression extrême sur la guitare rythmique de Lennon. [14] [ citation(s) supplémentaire(s) nécessaire(s) ] [ clarification nécessaire ]

Des ingénieurs et d'autres membres du personnel d'Abbey Road ont signalé que les Beatles essaieraient de profiter d'événements accidentels dans le processus d'enregistrement ; Les retours de " I Feel Fine " et " It's All Too Much " et la bouteille en verre résonnante de " Long, Long, Long " (vers la fin du morceau) en sont des exemples. [15] Dans d'autres cas, le groupe a délibérément joué avec des situations et des techniques qui favoriseraient les effets du hasard, tels que le mélange en direct (et donc imprévisible) d'une émission de radio britannique avec le fondu de « I Am the Walrus » ou l'assemblage chaotique de " Demain ne sait jamais ".

La chanson des Beatles " You Like Me Too Much " a l'un des premiers exemples de cette technique : [ clarification nécessaire ] les Beatles ont enregistré le piano électrique à travers le haut - parleur Leslie rotatif d'un Hammond B-3 , un 122 ou 122RV, un truc qu'ils feraient revenir encore et encore. (À la fin de l'intro, l'arrêt du Leslie est audible.) [ citation nécessaire ] Aussi sur " Tomorrow Never Knows ", la voix a été envoyée par un haut-parleur Leslie. Bien que ce ne soit pas la première utilisation vocale enregistrée d'un haut-parleur Leslie, la technique sera plus tard utilisée par les Grateful Dead , Cream , The Moody Blues et d'autres. [16]

Tous les Beatles avaient des magnétophones Brenell à la maison, [17] ce qui leur a permis d'enregistrer hors du studio. Certaines de leurs expériences à domicile ont été utilisées à Abbey Road et ont abouti à des masters finis, en particulier sur "Tomorrow Never Knows". [18]

Ingénieurs et producteurs

Musiciens de session

Bien que les cordes aient été couramment utilisées sur les enregistrements pop, la suggestion de George Martin d'utiliser un quatuor à cordes pour l'enregistrement de " Yesterday " a marqué un tournant majeur pour les Beatles. McCartney s'est souvenu de l'avoir joué aux autres Beatles et à Starr en disant que cela n'avait pas de sens d'avoir de la batterie sur la piste et Lennon et Harrison en disant qu'il était inutile d'avoir des guitares supplémentaires. George Martin a suggéré une guitare acoustique solo et un quatuor à cordes. [19]

Au fur et à mesure que le travail musical des Beatles se développait, en particulier en studio, des instruments classiques étaient de plus en plus ajoutés aux pistes. Lennon a rappelé l'éducation à double sens ; les Beatles et Martin apprenant l'un de l'autre - George Martin leur demandant s'ils avaient entendu un hautbois et les Beatles dire : "Non, lequel est-ce celui-là ?" [20]

Geoff Emerick a documenté le changement d'attitude envers la pop, par opposition à la musique classique au cours de la carrière des Beatles. Dans EMI au début des années 1960, les ingénieurs de la balance étaient soit "classiques" soit "pop". [21] De même, Paul McCartney a rappelé un grand interrupteur "Pop/Classical" sur la console de mixage. [22] Emerick a également noté une tension entre les gens classiques et pop - mangeant même séparément à la cantine. La tension a également augmenté car c'est l'argent des ventes de pop qui a payé les sessions classiques. [23]

Emerick était l'ingénieur de « A Day in the Life », qui utilisait un orchestre de 40 musiciens et rappelait la « consternation » parmi les musiciens classiques lorsqu'on leur disait d'improviser entre les notes les plus basses et les plus hautes de leurs instruments (tout en portant des nez en caoutchouc). [24] Cependant, Emerick a vu aussi un changement d'attitude à la fin de l'enregistrement quand tout le monde présent (y compris l'orchestre) a éclaté en applaudissements spontanés. Emerick a rappelé la soirée comme le "passage du flambeau" entre les anciennes attitudes envers la musique pop et les nouvelles. [25]

Retour de guitare

Le retour audio a été utilisé par des compositeurs tels que Robert Ashley au début des années 60. [26] The Wolfman d' Ashley , qui utilise abondamment les commentaires, a été composé au début de 1964, mais n'a pas été entendu publiquement avant l'automne de cette année-là. [27] La même année que les expériences de rétroaction d'Ashley, la chanson des Beatles « I Feel Fine », enregistrée le 18 octobre, commence par une note de rétroaction produite en pinçant la note A sur la guitare basse de McCartney , qui a été reprise sur le semi de Lennon. -guitare acoustique . Il se distinguait de ses prédécesseurs par un son de guitare plus complexe, en particulier dans son introduction, une note électrique pincée soutenue qui, après quelques secondes, gonflait en volume et bourdonnait comme un rasoir électrique. C'était la toute première utilisation du feedback sur un disque de rock. [28] S'exprimant dans une de ses dernières interviews — avec Andy Peebles de la BBC — Lennon a dit que c'était la première utilisation intentionnelle de commentaires sur un disque de musique. Dans la série The Beatles Anthology , George Harrison a déclaré que le retour avait commencé accidentellement lorsqu'une guitare était placée sur un amplificateur, mais que Lennon avait trouvé comment obtenir l'effet en direct sur scène. Dans The Complete Beatles Recording Sessions , Mark Lewisohn déclare que toutes les prises de la chanson incluaient les commentaires. [18]

Les Beatles ont continué à utiliser les commentaires sur les chansons ultérieures. "It's All Too Much", par exemple, commence par un retour de guitare soutenu. [ citation nécessaire ]

Prise de son rapprochée d'instruments acoustiques

Lors de l'enregistrement de " Eleanor Rigby " le 28 avril 1966, McCartney a déclaré qu'il voulait éviter les cordes " Mancini ". Pour remplir ce brief, Geoff Emerick a rapproché les cordes – les microphones touchaient presque les cordes. George Martin a dû demander aux joueurs de ne pas reculer devant les microphones. [29]

Les microphones ont commencé à être placés plus près des instruments afin de produire un son plus ample. La batterie de Ringo avait un gros pull fourré dans la grosse caisse pour « amortir » le son tandis que le microphone de la grosse caisse était placé très près, ce qui faisait que la batterie était plus importante dans le mix. "Eleanor Rigby" ne présente que McCartney et un double quatuor à cordes dont les instruments sont si proches de la corde que "les musiciens étaient horrifiés". Dans " Got to Get You into My Life ", les cuivres ont été micros dans les cloches de leurs instruments puis passés à travers un limiteur Fairchild. [30] [ page nécessaire ]

Selon Emerick, en 1966, cela était considéré comme une façon radicalement nouvelle d'enregistrer des cordes ; de nos jours, c'est une pratique courante. [29]

Entrée directe

L'entrée directe a été utilisée pour la première fois par les Beatles le 1er février 1967 pour enregistrer la basse de McCartney sur " Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band ". Avec une entrée directe, le micro de guitare est connecté à la console d'enregistrement via une boîte de direct d'adaptation d'impédance. Ken Townsend a affirmé que c'était la première utilisation n'importe où dans le monde, [31] bien que Joe Meek , un producteur indépendant de Londres, soit connu pour l'avoir fait plus tôt (début des années 1960) [32] [ page nécessaire ] et en Amérique, les ingénieurs de Motown utilisait Direct Input depuis le début des années 1960 pour les guitares et les guitares basses, principalement en raison des restrictions d'espace dans leur petit studio d'enregistrement « Snakepit ». [ citation nécessaire ]

Manipulation de bande

Double pistage artificiel

Le double tracking artificiel (ADT) a été inventé par Ken Townsend en 1966, lors de l'enregistrement de Revolver . [33] Avec l'avènement des enregistrements à quatre pistes, il est devenu possible de doubler les voix par lesquelles l'interprète chante avec sa propre voix précédemment enregistrée. Phil McDonald, membre de l'équipe du studio, a rappelé que Lennon n'aimait pas vraiment chanter une chanson deux fois - il était évidemment important de chanter exactement les mêmes mots avec le même phrasé - et après une soirée particulièrement éprouvante de doubles vocaux, Townsend " eu une idée" alors qu'il rentrait chez lui un soir en entendant le bruit de la voiture devant. [33] ADT fonctionne en prenant l'enregistrement original d'une partie vocale et en le dupliquant sur un deuxième magnétophone doté d'un contrôle de vitesse variable. La manipulation de la vitesse de la deuxième machine pendant la lecture introduit un délai entre la voix originale et le deuxième enregistrement de celle-ci, donnant l'effet d'un double suivi sans avoir à chanter la partie deux fois.

L'effet avait été créé "accidentellement" plus tôt, lors de l'enregistrement de "Yesterday": des haut-parleurs ont été utilisés pour donner un signal au quatuor à cordes et une partie de la voix de McCartney a été enregistrée sur la piste de cordes, qui peut être entendue sur l'enregistrement final.

Il a été affirmé que George Martin de pseudoscientifiques explication de ADT ( « Nous prenons l'image originale et nous l'avons divisé par une bride sploshing double bifurqué ») [33] donné à Lennon origine l'expression bordage dans l' enregistrement, comme Lennon renverrait à ADT comme "le flanger de Ken", bien que d'autres sources [34] prétendent que le terme provient d'une pression du doigt sur la bobine d'alimentation du magnétophone (la bride) pour faire de petits ajustements à la phase de la copie par rapport à l'original.

ADT a grandement influencé l'enregistrement - pratiquement toutes les pistes sur Revolver et Sgt. Pepper's Lonely Hearts Club Band a eu le traitement et il est encore largement utilisé pour les instruments et les voix. De nos jours, l'effet est plus souvent connu sous le nom de double suivi automatique.

ADT se fait entendre à la guitare lead sur " Here, There and Everywhere " et au chant sur " Eleanor Rigby " par exemple. La technique a été utilisée plus tard par des groupes comme les Grateful Dead et Iron Butterfly , entre autres. [16]

Échantillonnage

Les Beatles ont d'abord utilisé des échantillons d'autres musiques sur " Yellow Submarine ", les échantillons étant ajoutés le 1er juin 1966. Le solo de fanfare a été construit à partir d'une marche de Sousa par George Martin et Geoff Emerick, le solo original était dans la même tonalité et était transféré sur bande, coupé en petits segments et réarrangé pour former un bref solo qui a été ajouté à la chanson. [35] Une technique similaire a été utilisée pour « Being for the Benefit of Mr. Kite » le 20 février 1967. Pour tenter de créer l'atmosphère d'un cirque , Martin a d'abord proposé l'utilisation d'un calliope (un orgue à vapeur). Le pouvoir des Beatles au sein d'EMI était tel que des appels téléphoniques ont été passés pour voir si un calliope pouvait être embauché et amené dans le studio. Cependant, seuls les calliopes automatiques, contrôlés par des cartes perforées, étaient disponibles, d'autres techniques ont donc dû être utilisées. Martin a proposé de prendre des échantillons enregistrés de plusieurs pièces d'orgue à vapeur, de les couper en courtes longueurs, de les "jeter en l'air" et de les assembler. Il a fallu deux essais; au premier essai, les pièces sont revenues par hasard dans un ordre plus ou moins original.

Des échantillons plus évidents et donc plus influents ont été utilisés sur "I Am the Walrus" - une émission en direct du troisième programme de la BBC de King Lear a été mélangée à la piste le 29 septembre 1967. McCartney a également décrit [36] une occasion perdue d' échantillonnage en direct. : le studio EMI a été installé de manière à ce que la piste d'écho de la chambre d'écho puisse être captée dans n'importe laquelle des salles de contrôle. Paul Jones enregistrait dans un studio pendant le mixage de "I Am the Walrus" et les Beatles ont été tentés de "nick" (voler) une partie du chant de Jones pour les intégrer au mixage.

Synchronisation des magnétophones

Une façon d'augmenter le nombre de pistes disponibles pour l'enregistrement est de synchroniser les magnétophones entre eux. Depuis le début des années 1970, le timecode SMPTE est utilisé pour synchroniser les machines à bande. Les enregistreurs modernes contrôlés par code temporel SMPTE fournissent un mécanisme pour que la deuxième machine positionne automatiquement la bande correctement et démarre et s'arrête simultanément avec la machine maître. [la citation nécessaire ] Cependant, en 1967, le timecode SMPTE n'était pas disponible et d'autres techniques ont dû être utilisées.

Le 10 février 1967 lors de l'enregistrement de " A Day in the Life ", Ken Townsend a synchronisé deux machines afin que des pistes supplémentaires soient disponibles pour l'enregistrement de l'orchestre. S'exprimant dans une interview avec ABC australienne, Geoff Emerick a décrit la technique ; La vitesse des machines à bande EMI pouvait être contrôlée à l'aide d'un contrôleur de vitesse externe qui réglait la fréquence de l'alimentation secteur du moteur. En utilisant le même contrôleur pour contrôler deux machines, elles ont été synchronisées. [37] Townsend a ainsi utilisé efficacement le pilottone , une technique courante dans les reportages d'actualités 16 mm par laquelle une tonalité de 50/60 Hz était envoyée de la caméra vidéo à un magnétophone pendant le tournage afin d'obtenir un enregistrement sonore avec synchronisation labiale. Avec le ton simple utilisé pour "A Day in the Life", la position de départ a été marquée avec un crayon de cire sur les deux machines et l'opérateur de bande a dû aligner les bandes à l'œil et essayer d'appuyer sur play et d'enregistrer simultanément pour chaque prise. [38]

Bien que la technique ait été raisonnablement efficace, Townsend a rappelé que lorsqu'ils essayaient d'utiliser la bande sur une autre machine, la synchronisation était parfois perdue. George Martin a affirmé [la citation nécessaire ] cela comme la première fois que les magnétophones avaient été synchronisés, bien que la synchronisation SMPTE pour la synchronisation vidéo/audio ait été développée vers 1967. [39]

Bandes à l'envers

En tant que pionniers des Beatles [ selon qui ? ] l'utilisation de la musique concrète dans la musique pop (c'est-à-dire les boucles de bande accélérées dans "Tomorrow Never Knows"), les enregistrements en arrière sont venus comme un exposant naturel de cette expérimentation. "Rain", la première chanson rock avec une voix à l'envers [la citation nécessaire ] (Lennon chantant le premier couplet de la chanson), est apparue lorsque Lennon (revendiquant l'influence de la marijuana) a accidentellement chargé une bande bobine à bobine de la chanson sur sa machine à l'envers et aimait essentiellement ce qu'il entendait tellement qu'il avait rapidement l'overdub inversé. Un suivi rapide a été la guitare inversée sur « I'm Only Sleeping », qui présente un solo de guitare double de George Harrison joué à l'envers. Harrison a élaboré une partie de guitare en avant, a appris à jouer la partie à l'envers et l'a enregistrée à l'envers. De même, une piste d'accompagnement de tambours et de cymbales inversés a fait son chemin dans les couplets de "Strawberry Fields Forever". L'utilisation bien connue des Beatles de bandes inversées a conduit à des rumeurs de messages à l'envers, dont beaucoup ont alimenté le mythe urbain de Paul is Dead . Cependant, seuls "Rain" et " Free as a Bird " incluent intentionnellement des voix inversées dans les chansons des Beatles.

La version stéréo de " Blue Jay Way " de George Harrison (1967, Magical Mystery Tour ) comprend également des voix à l'envers, qui sont en fait une copie à l'envers de l'ensemble du mix, y compris tous les instruments, qui est fondu à la fin de chaque phrase. [ citation nécessaire ]

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